Amante de los 80s

"Space Age Love Song" es un sencillo de 1982 lanzado por la banda británica A Flock of Seagulls. Era su cuarto sencillo. El guitarrista principal Paul Reynolds comentó en su álbum de video de 1984 "Through the Looking Glass" que, como la banda no pudo encontrar un título para la canción, sugirió "Space Age Love Song" porque pensó que sonaba como una canción de amor de la era espacial.

En 2018, una versión regrabada de la canción, con la Orquesta Filarmónica de Praga, fue lanzada como un EP especial de 5 y 8 pistas. Es el primer sencillo que aparece en el sexto álbum de la banda, Ascensión.

En una entrevista de Songfacts con Mike Score, el líder del grupo reveló el significado de esta canción. "La Era Espacial era sólo intimidad, si quieres. Cuando conoces a alguien, hay un contacto visual instantáneo si la química es la correcta. Si todo está bien, les llamas la atención.... toda esa cosa de'a través de la habitación llena de gente/que te llamó la atención'. La letra explica eso: "Vi tus ojos y me hiciste sonreír."

El título no aparece en la letra. Cuando estaban trabajando en ello, alguien mencionó que sonaba a "era espacial" y que era "como una canción de amor de la era espacial". Escribieron "Space Age Love Song" como título de trabajo, y se quedó. Es mucho más memorable que cualquier cosa que pudieran haber escogido de la letra, como "Vi tus ojos" o "Me estaba enamorando".

A Flock Of Seagulls alcanzó gran éxito con una mezcla de sintetizador y guitarra que sonaba futurista. Adoptaron un tema espacial, que dio paso a las versiones estadounidenses de su álbum debut con el título de "I Ran (So Far Away)", que incluye una abducción extraterrestre. Ese fue su primer éxito en América y con mucho su canción más conocida en ese país. "Space Age Love Song" fue el siguiente en hacer una respetable presentación en el #30, pero no obtuvo la emisión en MTV de "I Ran", lo que limitó su éxito. Su siguiente sencillo, "Wishing (If I Had A Photography Of You)", llegó al #26.

En su Reino Unido natal (son de Liverpool), "I Ran" fue el peor de los tres, y "Wishing" fue su gran éxito.

El video musical fue dirigido por Anthony Van Den Ende, quien también hizo "I Ran". A diferencia de aquella, que contaba con espejos, una cámara giratoria y chicas, el vídeo "Space Age Love Song" era sólo la banda que actuaba en la niebla - un esfuerzo competente, pero no suficiente para atraer a la audiencia de MTV. Sin embargo, presentaba el fascinante peinado de Mike Score, que se asemejaba a un pájaro en vuelo.

Aunque este tema no es de los 80s, se mantuvo tocando en esta decada por su gran calidad. Esta es una canción instrumental exuberantemente orquestado por la Love Unlimited Orchestra de Barry White. El Love Theme fue escrita y producida por White y se convirtió en uno de sus mayores éxitos. Con sus cuerdas y su guitarra wah-wah, el tema tuvo una influencia significativa en el sonido de las discotecas, que explotó en 1975, un año después de que "Love's Theme" hubiera encabezado las listas de éxitos.

"Love's Theme" fue lanzado como un single de A-side en diciembre de 1973. El tema fue incluido en el álbum debut de la Love Unlimited Orchestra, Rhapsody in White (1974). La Love Unlimited Orchestra era una orquesta de 40 miembros formada por White para servir como unidad de apoyo tanto para él como para su trío vocal femenino Love Unlimited. El trío cantó las voces de fondo en las canciones de White y también grabó álbumes por su cuenta. La canción también fue incluida en el segundo álbum de Love Unlimited, Under The Influence of... Love Unlimited (1973).

El 9 de febrero de 1974, la pista se convirtió en el número 1 del US Billboard Hot 100, donde permaneció durante una semana. El 20 de abril, otro instrumento de Soul, "TSOP (El Sonido de Filadelfia)", también alcanzó el primer puesto, esta vez durante dos semanas.

"Love's Theme" también encabezó el US Billboard Adult Contemporary Chart, donde pasó dos semanas. Se posicionaba en el puesto #10 tanto en la tabla de R&B de EE.UU. como un single en Reino Unido. Además, "Love's Theme" encabezó la lista de RPM 100 National Singles Chart en Canadá.

Este es uno de los pocos instrumentales puramente orquestales que alcanzó el número 1 en el US Billboard Hot 100 y fue uno de los instrumentales más tocados de la década de 1970. El tema le valió a White un premio BMI por vender más de tres millones de copias.

Las partes de las cuerdas de la pista fueron arregladas por el renombrado arreglista Gene Page. White originalmente quería tener voz en la canción, pero cambió de opinión después de escuchar el arreglo de cuerdas de Page. En nuestra entrevista con el renombrado bajista de estudio Scott Edwards, habló sobre el cambio de opinión de White acerca de añadir voces a la canción: "Escuché que la melodía de Barry White, "Love's Theme", que fue instrumental, después de que Gene Page, que es un gran arreglista, hiciera sus partes de cuerdas, Barry White dijo que era tan hermosa que decidió no poner la voz", dijo Edwards. "Y así es como se convirtió en el tema del amor". Se convirtió en un éxito mundial porque Barry White se dio cuenta de que las cuerdas de Gene eran tan hermosas, ¿por qué estropearlo con una voz?" Edwards no tocó en "Love's Theme", pero había trabajado en el estudio con Page en varias ocasiones.

Las letras se añadieron a una segunda versión de la canción. Estas letras fueron cantadas por Love Unlimited, y esta versión fue incluida en el tercer álbum del trío, In Heat, lanzado en 1974. Las letras fueron escritas por el veterano compositor y editor musical Aaron Schroeder, quien co-escribió 17 canciones para Elvis Presley, incluyendo los éxitos #1 "It's Now Or Never" y "A Big Hunk o' Love". Julio Iglesias y Andy Williams también grabaron versiones vocales de la canción. Además, el violinista clásico Enoch Light grabó una versión instrumental de Electro-Disco de la canción en 1977. El trompetista de jazz Rick Braun y el guitarrista Chuck Loeb también grabaron versiones instrumentales de la canción.

En 1975, White y The Love Unlimited Orchestra interpretaron "Love's Theme" en directo en el espectáculo de variedades musicales Soul Train. La alineación también incluyó a Love Unlimited, quien cantó las letras de la canción. Los artistas y las bandas suelen sincronizarse con los labios en Soul Train, pero todo se realizó en directo para esta actuación. 

Page para acomodar a la orquesta de 40 piezas en el estudio rompió el presupuesto del espectáculo y le enseñó a su creador, Don Cornelius, una valiosa lección sobre los costos de producción. Cornelius fue mucho más frugal al seguir adelante; mientras que la actuación de White fue un momento trascendente en la historia del espectáculo, tenía mucho más sentido (y dólares) tener a los artistas sincronizados con los labios. El programa permaneció en el aire otros 30 años, convirtiéndose en uno de los programas de televisión de mayor duración de todos los tiempos.

Durante muchos años, ABC Sports utilizó esta canción como tema de apertura para su cobertura de golf. La canción también fue presentada brevemente en la película Mean Girls de 2004.

Cathay Pacific Airways, con sede en Hong Kong, utilizó la pista para sus comerciales de televisión.

Los ritmos musicales de moda en los 80s básicamente fueron el Merengue y la Salsa en lo que se refiere al Mercado latinoamericano. Otros ritmos como la Bachata, Reggae, Lambada tuvieran cierta pegada pero con canciones efímeras. Se hicieron muchas fusiones con ritmos norteamericanos, sobre todo con el Merengue que es el ritmo tropical que mas fusiones ha recibido a lo largo de su historia.

La bachata en los 80s era aun muy marginada, no todas las estaciones de radios tocaban este género musical y habían uno que otro programa radial, sobre todo de AM que en la República Dominicana difundía este tipo de música. Pues aun sus letras no habían sido refinadas y sus intérpretes no le daban importancia a la estética ni a lo de la vestimenta.

En la década de los 80s lo que dominaba era el Merengue y la Salsa, no había más espacio para otros ritmos en la radio de la mayoría de los países latinoamericanos. La música Norteamericana tenía su espacio siendo los dueños de la popularidad Michael Jackson y Madonna quienes colocaron en el Hit Parede varios temas que aun hoy son muy recodados y se han vuelto clásicos.

La bachata tuvo su auge grande a finales de los 80s, pero concretamente a principios de los 90s cuando Luis Díaz le preparó una producción a Sonia Silvestre y fuera la mejor bachata del momento en la radio dominicana, abriéndoles las puertas a este género y luego con la producción de Juan Luis Guerra con una bachata más refinada hizo que despegara para siempre este ritmo musical.

Los bachateros en los 80s aun eran mal vistos y solo eran recibidos por una clase social, que era la clase baja. Puesto que en ese momento era una música muy del populacho, de los barrios y de los guardias que la percibían como una música de amargue o desamor. Pocos eran además sus exponentes y la mayoría de sus líricas eran de doble sentido.

Los conciertos de los bachateros en ese tiempo eran muy escasos para no decir inexistentes y si se producían se les incluían a ellos como relleno de los merengueros y baladistas que eran los que tenían éxito en la década de los 80s. No es como ahora en donde Romeo  santos el bachatero del momento hace practicamente una gira de un año.

En la década de los 80s solo bachateros como Paniagua, Blas Durán, entre otros, los que podían considerarse como reconocidos en el ambiente artístico. Todo porque este género estaba muy estereotipado en que era de cabarets de mala muerte y que solo gente de clase baja la escuchaba.

Hoy en día abundan los conciertos de bachateros, no solo en Dominicana, sino en gran parte de América Latina, donde ahora si hay cantantes que le han dado otra connotación al género y que con una mejor estética en las letras y mejores arreglos además de mejor presencia, han lograda sintonizar con otro tipo de gente de clases sociales más altas y que consumen mejor música.

Todos amamos una buena canción de amor. Por eso en este artículo colocaremos las 7 canciones que consideramos que fueron más románticas de los 80s. Estas canciones de amor no están sujetas a ningún chart o listado, solo viene de mi gusto personal.

Lionel Richie - Hello (1984)

Richie ya tenía fama en los años 70 para llevar canciones al top, pero con esta su carrera tomo nuevos brios, una balada romántica muy hermosa.

Foreigner - Waiting for a Girl Like You (1981) 

Demostrando que música soul no tienen el monopolio del género, este grupo sorprendió a sus fans con esta canción de amor melancólico.

Anita Baker – Sweet Love (1987)

La cantante definitiva del estilo "quiet storm" de alma de mediados de los ochenta, Baker estaba trabajando como Secretaria cuando esta le propulsó conquistar la fama.

Spandau Ballet - True (1983) 

Uno de los grupos de Inglaterra con major estilo, definido como un grupo romantic, se destinguio por la potente voz de su lider.

REO Speedwagon - Keep on ' Lovin ' You (1981)

Este genial grupo orientado a adultos estuvo en todo Estados  Unidos como los reyes en 1981 son su enorme No.1 hit junto a su álbum  'Hi Infidelity'.

George Michael - Careless Whisper (1984)

John Peel se horrorizó cuando esta canción apareció en su portada de disco, pero sigue siendo la canción que primero demostró que George Michael podía realmente escribir.

Diana Ross & Lionel Richie - Endless Love (1981)

Sin lugar a dudas nuestra numero uno, una canción hermosa de principio a fin y la que mejor define el amor entre un hombre y una mujer!

Don't dream it's over es una canción del grupo neozelandes Crowded House. Esta canción de 1986 alcanzo el segundo puesto de la lista Billboard Hot 100 de los Estados Unidos, logro también el primer lugar de Canadian Singles Chart y por supuesto el primer lugar New Zealand Singles Chart. Fue la canción mas popular de este grupo y por el cual se le conoce, siendo por ello catalogados como un "one hit wonder".

Uno de los cantantes que tuvo un gran exito en los 80s fue Lionel Richie. Nacido Lionel Richie B., Jr., el 20 de junio de 1949 en Tuskegee, AL, hijo de Lionel Richie Sr., un analista de sistemas, y Alberta Richie, una educadora. Se casó con Brenda Harvey, una ayudante de producción musical, en 1975 se divorcia. Tiene una hija llamada Nicole. Se casó de nuevo con Diane Alexander, una diseñadora de ropa, 1996; con la que tuvo un hijo, Miles, y una hija, Sofía.

Richie en los 80s grabó un disco en solitario titulado simplemente Lionel Richie, el álbum fue lanzado a finales de 1982 y fue un éxito inmediato, alcanzando el número tres en las listas de éxitos en su camino a las ventas de más de cuatro millones de copias. Se separó tres cinco mejores éxitos del pop, incluyendo el primer sencillo, "Truly", que se convirtió en primer número uno solo de Richie. Si Lionel Richie se convirtió en una superestrella. Con cinco Top Ten singles, incluyendo los números uno "All Night Long (All Night)" y "Hello," Can't slow down que alcanzó el número uno, llegó a vender más de diez millones de copias y ganó el Grammy 1984 por Álbum del Año . Tal era la talla de Richie que fue invitado a actuar en la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de Los Angeles, un espectacular evento etapa que fue transmitido en todo el mundo 1984.

En 1985, Richie puso su estatus de superestrella a trabajar por un bien mayor, uniéndose a Michael Jackson en el co-escribiendo los EE.UU. para África sencillo de caridad "We Are the World", la grabación de las Estrellas que ayudó a recaudar millones de dólares para aliviar el hambre. A finales del año, estaba en la cima de las listas de nuevo con "Say You, Say Me", una balada grabada para la película Noches de sol pero no está incluido en la banda sonora. La canción fue programado para ser el tema principal en el próximo álbum de Richie, pero los retrasos en el proceso de grabación impide que se liberara hasta agosto de 1986, fecha en la que el título fue cambiado a Dancing on the Ceiling (con el fin de promover el próximo single de Richie liberar). Tres más Top Tens siguieron "Say You, Say Me", como lo hizo "Se La", que se convirtió en el primero de los singles en solitario de Richie no alcanzar el pop Top Ten. En general, Dancing on the Ceiling no coincide con el éxito de Can't slow down, pero todavía se vende un impresionante cuatro millones de copias, a pesar de la reputación de Richie para las baladas sentimentales estaba empezando a incurrir en una reacción en algunos sectores.

"I Beg Your Pardon (Nunca te prometí un jardín de rosas)" es una canción de la banda canadiense de synthpop Kon Kan, lanzado como el primer sencillo de su álbum debut en 1989 Move to Move. La canción contiene varias samples de canciones, incluyendo la de 1971 de Lynn Anderson, "(I Never Promised You A Rose Garden)", así como samples de GQ "Disco Nights (Rock-Freak)" y "Silver Convention de Get Up and Boogie ". Samples de Spagna recreando el "Call Me" y los primeros compases del tema de la película The Magnificent Seven también están presentes en la canción.

La canción fue un éxito, alcanzando el top veinte en un número de países, incluyendo el Reino Unido, donde alcanzó el # 5.

Este es el video de la canción:

Una banda que fue muy popular a final de los 70's y a principios de los 80's lo fue la banda inglesa llamada Clash. El grupo fue uno de los más importantes e icónicos de la primera ola del punk. Sumado a esto, The Clash exhibió una intencionalidad política en sus letras que con el tiempo se convertiría en su característica distintiva fundamental.

Al principio la banda solamente fue conocida en su natal Inglaterra y posteriomente en Europa, no fue sino hasta entrados los 80's cuando pudo conquistar el exigente mercado americano, esto gracias a temas como Rock the Casbah. Su tercer álbum, London Calling (publicado en 1980), es considerado uno de los mejores discos de la historia de la música. De hecho, la revista Billboard lo calificó como el mejor de los años 1980,4 y según la revista Rolling Stone como el octavo mejor de la historia en su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.

Algunos de sus temas más reconocidos fueron "White Riot", "Tommy Gun", "London Calling", "Train in Vain", "(White Man) In Hammersmith Palais", "The Guns of Brixton", "Complete Control", "Rock the Casbah" y "Should I Stay or Should I Go".

Este es el video de su éxito más importante en toda América Latina, Rock the Casbah:

Una agrupación que logró cierto exito en los Estados Unidos lo fue Spandau Ballet. Su éxito se debió más que nada la voz diferente y varonil de su vocalista principal Tony Hadley. Inicialmente inspirada por una mezcla de funk y synthpop, finalmente cambiará su estilo al pop. Al igual que sus competidores por aquella época Duran Duran, consiguieron el éxito en Estados Unidos, aunque como ya dijimos anteriormente, lo fue por un espacio muy breve. 

Sus canciones más recordadas son True y la esplosiva Gold. Esta agrupación se mantuvo vigente hasta el 1989 cuando se desintegró y sus miembros tomaron caminos diferentes. Solamente el vocaliste siguió en el mundo del canto, los integrantes algunos se dedicaron a la actuación entre otras cosas. En 2009 regresaron al medio con una gira de reencuentro.

Chayanne fue uno de los grandes cantantes juveniles de los 80s. Surgido del grupo puertoriqueño Los Chicos, que desde los 12 años participó en este grupo. Chayanne cuyo nombre de pila es Elmer Figueroa Arce, fue el unico de ese popular grupo que se mantuvo en el medio artístico luego de la desaparición del grupo.

Chayanne con su estilo fresco, alegre y juvenil de inmediato sintonizó y gustó sobre manera en toda la juventud de la epoca, gracias a su carisma y sencillez que siempre demostraba en cada una de sus presentaciones. Sus primeras dos producciones no fueron un exito internacional, solo fue conocido en su natal Puerto Rico. Estas producciones, la primera titulada «Chayanne es mi nombre» de 1984 y «Sangre latina» de 1986 solo fueron para darlo a conocer en su país,

Es a partir de la producción lanzada en 1987 llamada «Chayanne» cuando logra el exito a nivel internacional. Esta producción contó con el tema que lo dió a conocer en muchos paises de Latinoamérica: "Fiesta en América".

Ya es a partir del album «Chayanne II» cuando se consolidad en toda América, con temas que aun tienen vigencia a nivel de la radio y que siempre en cada presentación que realiza debe cantar, estos temas son: Tu "Pirata Soy Yo", "Este Ritmo Se Baila Así" y  "Fantasías".

A partir de ese album la carrera de Chayanne siguió in crescendo y se ha logrado mantener vigente hasta el día de hoy.

Este es el primer video que a nivel internacional le dió a este joven la oportunidad de darse a conocer en toda América y que gracias a este tema logró colocarse en el gusto de todos hasta la actualidad.

"Living on My Own" es una canción de Freddie Mercury, originalmente incluida en su primer álbum en solitario Mr. Bad. Fue lanzada como single (junto a "My Love Is Dangerous") en septiembre de 1985 en el Reino Unido, donde alcanzó el puesto número 50. En Julio de 1985 se hizo el lanzamiento en los Estados Unidos había junto a "She Blows Hot & Cold" como lado B.

En 1993, casi dos años después de la muerte de Mercury, the No More Brothers mezclan la canción alcanzando el número 1 en el Reino Unido, convirtiéndose en el primer número 1 de Freddie Mercury en solitario. Se mantuvo en el primer lugar por 2 semanas .

El video de "Living on My Own" toma escenas de las funcion o fiesta de sus 39 cumpleaños de Mercurio en 1985 en Munich.

"Don't Stop Believin'" es una canción popular de la banda de rock estadounidense "Journey", originalmente lanzada como single de su álbum Escape de 1981, que se convirtió en un hit, alcanzando el puesto # 9 en el Billboard Hot 100 en su lanzamiento original. En el Reino Unido, la canción no fue un Top 40 en su versión original, sin embargo, llegó a # 6 en un re-lanzamiento en 2009, después de haber ganado popularidad a través de una serie de televisión.

All Music Guide ha calificado "Don't Stop Believin'" como "un himno para los jóvenes que quería sentirse libre y sin restricciones", con "uno de los mejores riffs de teclado de apertura del rock". A partir de noviembre de 2011, es el de mayor venta de catálogo de pistas en la historia de iTunes, en general, se le considera la canción mas popular de Journey.

Como nota curiosa, la canción se convirtió en el grito de guerra para el equipo de beisbol: Medias Blancas de Chicago en su exitosa carrera a los playoffs del 2005, cuando el receptor AJ Pierzynski y sus compañeros escucharon la canción en un bar de Baltimore. Los Medias Blancas invitaron al cantante de Journey, Steve Perry, para la celebración del campeonato del equipo, donde cantó la canción junto a varios miembros del equipo. En 2008, en una apretada batalla por el primer lugar con los Diamondbacks de Arizona en el Oeste de la Liga Nacional, los Dodgers de Los Angeles comenzaron a colocar tambien "Don't Stop Believin'" en medio de la entrada 8 a todos sus partidos en casa. Posteriormente, la canción fue tocada en el Dodger Stadium en los juegos en casa durante toda la temporada de 2009, para gran disgusto de Steve Perry, un autoproclamado fanático de los Gigantes de San Francisco (la propia banda se formó en San Francisco).

La canción también se convirtió en el himno no oficial para el año 2010 de los Gigantes en postemporada, sobre todo después de Ashkon músico local creó una parodia de la canción después de su victoria en 2010 de la Liga Nacional División Oeste. La canción fue utilizada durante el fin de montaje después de la Fox cobertura de la red de la Serie Mundial de 2010, que fue ganado por los Gigantes. Steve Perry apareció en "desfile de la victoria subsiguiente, y la canción fue tocada en el inicio de los Gigantes a los Gigantes de celebración de la victoria.

Una de las canciones de principio de los 80s que más pegada tuvo por parte de los cantantes españoles fue la que interpretara Juan Pardo: “No me hables así”. Esta canción lanzada en el álbum “Juan, mucho más Juan” de 1981, fue todo un éxito en España y sobre todo en toda Latinoamérica.

El tema es de la autoria del propio Juan Pardo y se popularizó bastante en Latinoamérica a principios de 1982. Pegajoso en su música, con unas letras sencillas y fáciles de recordar hicieron de este tema un éxito de inmediato, colocándolo dentro de los grandes éxitos de Juan Pardo en su brillante carrera.

Como nota curiosa, No me hables asi, fue cantada por el propio Juan Pardo en aleman, italiano y frances, teniendo gran exito sobre todo en Alemania.

Existía un video en youtube de No me hables así, en donde se veía a Juan Pardo acompañado de tres hermosas bailarinas en bikini que bailaban al compás de la canción. Lo hemos podido recuperar y ya esta hábil de nuevo para ser visto!

Esta es la canción en cuestión para aquel que no se acuerda todavía:

Mecano un grupo que fue toda una institucion de buena musica a principios de los 80s, ha sido, digamos que, el tope en cuanto a la buena musica contemporanea que se ha realizado en España desde los 80s hasta finales mismos de los 90s. El grupo estuvo activo desde 1981 y 1992, periodo al que hay que sumar una breve reaparición en 1998, que duró apenas ocho meses a partir de la edición de un doble disco recopilatorio que incluía siete nuevos temas grabados para la ocasión.

El album homónimo Mecano salió a la venta el 5 de abril de 1982 y del que se extrajo como tema de presentación, el single «Me colé en una fiesta», que rapidamente se convirtió en superventas. El álbum se grabó con disponibilidad de medios, incluyendo sesiones de estudio en Londres, y con continuidad en la producción y los arreglos, a cargo igualmente de Jorge Álvarez y Luis Cobos. Este primer disco de larga duración vendió en tres meses 300.000 copias, algo sumamente difícil de lograr en la España de aquel entonces, y llegó a vender 200.000 copias más a lo largo de ese mismo año, según se fueron extrayendo los sencillos «Maquillaje» que todo un exito en Amercia Latina, y «No me enseñen la lección», cuarto y quinto single respectivamente.

En la primavera de 1983 Mecano se preguntaba ¿Dónde está el país de las hadas?, una duda que sirvió de título a su segundo álbum, publicado el 30 de mayo de ese mismo año. En él, el trío abandona la estética bohemia de su primer disco para adoptar una imagen cercana al post punk. El disco tiene una acogida más bien discreta y en él se incluye uno de sus mayores éxitos, «Barco a Venus», un tema que con el tiempo se convertiría en bandera de los directos del grupo.

El 15 de octubre de 1984 se publica el tercer álbum de Mecano, Ya viene el sol. En 1984 la compañía había empezado a sospechar que el grupo se encontraba en declive y que no volvería a conseguir el éxito alcanzado con su primer trabajo. A pesar de ser el álbum de menor éxito comercial del grupo, "Ya viene el sol" es, por varias razones, un disco clave en la evolución artística del grupo.

Entre el cielo y el suelo, publicado el 16 de junio de 1986, ya con su nueva compañía, Ariola, les lleva a convertirse en el grupo español de pop rock de mayor éxito y proyección internacional de la historia. Con este nuevo LP comienza una segunda etapa para el grupo que trae consigo varios cambios. En esa época el movimiento New Romantic había desaparecido como tal de la escena musical internacional y el synthpop se consideraba una tendencia pasada de moda. Es el momento del AOR (rock orientado a adultos), como constata el triunfo internacional de Tina Turner, o de grupos de rock duro, como Scorpions, Status Quo o los más comerciales Europe. Esto se tradujo, en primer lugar, en un cambio en la estética del grupo, que prescinde del aspecto más estrafalario de sus primeros años, para adoptar una imagen mucho más austera, de apariencia más urbana y masculina, basada en pantalones vaqueros, cazadoras y botas de cuero. el disco supone el despegue como compositor de José María Cano, quien aporta los éxitos del álbum: «Cruz de navajas», «Me cuesta tanto olvidarte» e «Hijo de la Luna». Estos temas suponen un progreso en la sonoridad, al orientarse más hacia el pop que hacia los sonidos electrónicos, y sobre todo, sus letras aportan una perspectiva adulta, algo que la crítica musical les había negado tener hasta el momento.

Con Descanso dominical, publicado el 24 de mayo de 1988, Mecano alcanza un éxito aún mayor que con su anterior trabajo, batiendo récords de ventas, con 1.300.000 copias vendidas sólo en España, hasta ahora el más vendido por un grupo en el país. Con este álbum, muestran su capacidad para seguir creciendo en su dimensión como plataforma musical, gracias a producciones realmente espectaculares como «No hay marcha en Nueva York», o «"Eungenio" Salvador Dalí» y a grandes temas como «La fuerza del destino» o «Mujer contra mujer». Destacan otros temas como «Un año más», el tema «Héroes de la Antártida», sobre la expedición polar del capitán Robert F. Scott y sus compañeros en 1912, o el acústico «Quédate en Madrid» en el que la vocalista hace una auténtica exhibición de la belleza de su timbre y el dominio en el tránsito de los tonos vocales agudos a los graves y viceversa.

Uno de sus tantos exitos es este video:

 

Rattlehead es una cancion perteneciente al álbum de la banda de heavy metal estadounidense Megadeth, lanzado en junio de 1985 a través Combat and Relativity Records. Durante el comienzo de 1985, la banda se le dio $ 8,000 de parte de Combat Records para grabar y producir su álbum debut, pero esto resultó no ser suficiente y a la banda se les dio otros $ 4.000 para poder producir el album adecuadamente. En cambio, la mayoría del presupuesto se gasto en medicamentos, el alcohol y los alimentos, es decir, la banda se vio obligada a despedir a su productor original y producir el álbum ellos mismos. A pesar de la escasa producción resultante, Killing Is My Business ... and Business is Good!, fue publicado en junio de 1985, fue un esfuerzo bien recibido que los elementos combinados de thrash y speed metal. 

Rattlehead fue compuesta por Dave Mustaine y es una de las canciones mas famosas de Megadeth y se ha convertido en un clasico de culto por parte de sus seguidores. La cancion como todo el album recibio buena critica cuando fue lanzanda al mercado. La página web oficial de Megadeth se refiere a Killing Is My Business como "sin lugar a dudas, su más crudo sonido, su más intenso, rápida, más furioso, y en general el álbum thrashiest que jamás hayan lanzado". Steve Huey de Allmusic, dijo que el álbum es "cruda como Megadeth es, y que pueden ser tanto buenos como malos - más precisa de Megadeth, riffs complejos y la composición no están completamente desarrollados, pero la música se lleva a cabo con una gran cantidad de energía, mientras que la voz de Mustaine (nunca fue su punto fuerte) son el mejor de los aficionados ". 

Adrien Begrand de PopMatters desestimó la grabación original, pero elogió la nueva publicación, la escritura ", el álbum arde en a un ritmo vertiginoso, y de ser un álbum de metal de 1985, el tema, aunque ahora un poco anticuada, es un cambio refrescante de la angustia que domina los suburbios de hoy nu-metal. en su lugar, se nos trata a los escenarios de la diversión como una canción basada en el libro de comic Punisher ("Killing Is My Business"), lo oculto ("la calavera bajo la piel".) Mike Stagno estuvo de acuerdo con los elogios para la remasterizacion, escribiendo que "el remaster es muy apreciado, ya que elimina el duro flotante, para escuchar los sonidos de la versión de 1985, en sustitución de ellos con un nítido y limpio tono. Pero no se preocupe;. El álbum todavía conserva ese sonido crudo, thrash que uno esperaría de una banda de thrash de los 80". 

"This Time I Know It For Real" es una canción originalmente grabada por Donna Summer, y lanzada en 1989 como el primer sencillo de su álbum Another Place and Time. Al igual que el resto del álbum, la canción fue escrita y producida por los británicos Stock Aitken Waterman y el equipo, aunque Donna Summer también escribio parte de la canción, así como otras tres canciones en el álbum del que se seleccionó a este single.

Se convirtió en el mayor éxito del verano en el Reino Unido desde la década de 1970 (tiempo durante el cual ella había sido la artista femenina de discoteca más popular), alcanzando el número tres y el paso un total de 14 semanas en el Top 75, más que cualquier de sus singles anteriores. También alcanzó el puesto # 7 en los EE.UU. (donde fue certificado de oro) y Canadá, por lo que transatlántica primero golpeó el verano desde 1979. Hasta el momento es el verano del 14 ª y última EE.UU. top ten hit hasta la fecha. El video fue dirigido por Dieter Trattmann y es notable los elementos tipicos de los 80s.

Tracy Chapman (n. 30 de marzo de 1964) es una cantautora estadounidense, mejor conocida por sus singles "Fast Car", "Talkin '' Bout a Revolution", "Baby Can I Hold You", "Crossroads", "Give me a reason, "Telling Stories". Ella ha sido cuatro veces premiada multi-platino al Grammy. Tracy Chapman nació en Cleveland, Ohio. Ella fue criada por su madre, que reconoce el amor de Tracy de la música y, a pesar de no tener mucho dinero, le compró un ukelele cuando ella apenas tenía tres años. Tracy Chapman comenzó a tocar la guitarra y a escribir canciones a la edad de ocho años. Ella dice que ella pudo haber tenido la primera inspiración de tocar la guitarra gracias al programa de televisión Hee Haw.

Durante sus estudios universitarios, Chapman comenzó toco música en la calle en Harvard Square y tocando la guitarra en el Club Passim y dentro de otros cafés en Cambridge, Massachusetts. Otro estudiante de Tufts, Brian Koppelman, escuchó a Chapman tocar y le trajo a la atención de su padre, Charles Koppelman . Koppelman, que trabajaba en SBK editorial, firmo a Tracy Chapman en 1986. Después de Chapman se graduó en la Tufts en 1987, él la ayudó a firmar un contrato con Elektra Records. En Elektra, Tracy Chapman lanzo en 1988 el album bajo su mismo nombre. El álbum fue aclamado por la crítica, y ella comenzó a viajar y a construir una base de fans. "Fast Car" de Chapman comenzó su ascenso en las listas de Estados Unidos poco después de que se realizó en la televisión el concierto de Nelson Mandela Tribute 70 cumpleaños en junio de 1988, se convirtió en un número de 6 hit en el Billboard Hot 100 para la semana que finalizó el 27 de agosto 1988 . Rolling Stone clasificó a la canción número 165 en su lista de "Las 500 mejores canciones de todos los tiempos". Es el más alto ranking de la canción tanto. Escrita e interpretada por una artista femenina "Talkin '' Bout a Revolution", el seguimiento, trazado en el número 75 y fue seguido por "Baby Can I Hold You", que alcanzó el puesto número 48. El álbum se vendió bien, el multi-platino y ganador de tres premios Grammy, incluyendo un honor para Chapman como Mejor Nuevo Artista.

Más tarde, en 1988, Chapman era una intérprete destacada en los de todo el mundo Amnistía Internacional Human Rights Now! Tour. De acuerdo con el sitio web de VH1, "Su álbum ayudó a marcar el comienzo de la era de la corrección política - junto con 10,000 Maniacs y REM, la política liberal de Chapman demostró una enorme influencia en los campus universitarios estadounidenses en los años 80". Su álbum posterior Crossroads (1989) fue menos éxitoso comercialmente, pero aún así alcanzó la categoría de platino.

"Kokomo" es una canción escrita por John Phillips, McKenzie Scott, Mike Love y Terry Melcher y grabada por The Beach Boys en la primavera de 1988. Sus letras describen dos amantes que realizan un viaje a una isla del Caribe llamada Kokomo. Fue lanzada como single el 18 de julio de 1988 por Elektra Records y se convirtió en un hit N º 1 en los Estados Unidos, Japón y Australia (donde permaneció por cerca de dos meses). El sencillo fue lanzado para coincidir con el lanzamiento de la película Cocktail de Tom Cruise, y su banda sonora posterior. Fue nominada en la categoría de Premio Grammy: Mejor Canción escrita específicamente para una película o televisión en 1988, pero perdió frente a Phil Collins "Dos corazones" (de la película de Buster).

El lugar conocido como "Kokomo" en la canción es ficticio. A pesar de que existen Kokomo, Indiana, Kokomo, Arkansas, Kokomo, Hawaii y varios Kokomos que existen, la canción se refiere a un lugar "fuera de los Cayos de la Florida". El nombre fue utilizado más tarde por estaciones de esquí de Sandals Cay, Jamaica y Grassy Key, Florida. La canción también menciona muchos lugares en o cerca del Caribe: en el orden de su aparición en la canción, Aruba, Jamaica, Bermuda, Bahama (s), Key Largo, Montego, Martinica, Montserrat, Mustique y Port-au-Prince. La instrumentación de la canción hace un uso intensivo de los tambores de acero interpretados por Vince, Milton y Mike.

En la versión original del demo "Kokomo", la voz principal fueron realizadas por Mike Love y Terry Melcher. Las armonías de demostración incluyen Terry Melcher, Bruce Johnston, Mike Love y Foskett Jeff. A petición de Disney Films, el demo de la cancion "Kokomo" fue actualizado para una grabación original por lo que requirieron a los miembros de los Beach Boys para volver a grabar las voces de demostración, excepto a Mike Love. Por último se grabó y lanzó "Kokomo" con los coros siendo cantados por Carl Wilson, Mike Love, Bruce Johnston y Al Jardine. Terry Melcher y la voz de Jeff Foskett de demostración fueron borrados y reemplazados por Carl Wilson y Al Jardine en la voz. El único miembro activo de The Beach Boys involucrado con la grabación fue Brian Wilson, quien, según su autobiografía, se le dio poco tiempo de la sesión de grabación y no pudo asistir.

"Kokomo" fue lanzada por Elektra Records en julio de 1988. Alcanzó su punto máximo en la posición # 1 en las listas de Billboard el 5 de noviembre de 1988 después de desbancar del primer lugar a "A Groovy Kind of Love" de Phil Collins. Esto significó que fue el primer hit # 1 de los Beach Boys en los Estados Unidos desde "Good Vibrations" en 1966, lo que es el lapso de tiempo más largo entre dos número uno en los Estados Unidos para una banda (22 años). También es su único hit # 1 que no está escrito o producido por Brian Wilson. Después de pasar una semana en la cima de las listas de éxitos, el solo fue eliminado de la número uno por The Escape Club canción "Wild, Wild West". Después de firmar con Capitol Records, tras el éxito del sencillo inicial, Capitol publicó la canción en los Estados Unidos por segunda vez. La canción fue re-lanzado en julio de 1989 como cara B del "Still Cruisin '" único, que alcanzó el puesto número 93 en la lista Billboard. Capitolio de nuevo volvio a emitir la canción, tan sólo dos meses más tarde, como el lado B de "En algún lugar cerca de Japón" sola, pero el solo no pudo avanzar en las posiciones.

El video de "Kokomo" fue filmado en el Gran Floridian Resort entonces recién inaugurado en el Walt Disney World en Florida. El complejo no se había abierto cuando el video fue filmado y la banda fue sus primeros clientes. El personal del hotel practicaban su menú con la banda probando recetas y bebidas. La multitud en la playa era falsa y eran porristas de la universidad de Nevada, Las Vegas. Se contaba con menos de dos horas para grabar el video, ya que amenazaba con llover. Los miembros de los Beach Boys en el video son: Carl Wilson (que toca la guitarra), Al Jardine (tocando la pandereta), Bruce Johnston (tocando la guitarra bajo) y Mike Love (saxofón). El actor John Stamos se puede ver tocar los tambores de acero de conga. Brian Wilson no se presentó y Kokomo representa el único video promocional de los Beach Boys se produce en la década de 1980 sin él. Este es el video de la cancion Kokomo de los Beach Boys.

"Higher Love" es una cancion que fue número uno en 1986 de Steve Winwood. Fue el primer single de su cuarto LP en solitario, Back in the High Life. Fue escrito por Winwood y Jennings, y producido por Russ Titelman y Winwood. Las voces femeninas en la canción fueron realizados por Chaka Khan, quien también apareció en el vídeo promocional de la música.

"Higher Love" fue el primero de Winwood en el Billboard Hot 100 número uno de éxito, encabezando la tabla por una semana. Fue precedida por Madonna "Papa don't preach" y seguida por "Venus" de Bananarama. La canción también pasó cuatro semanas en la cima de los EE.UU. Billboard Álbum de Rock Tracks. Alcanzó el puesto número 13 en el Reino Unido, su más alto en solitario que pegó en dicho país. También ganó dos premios Grammy por Grabación del Año y Mejor Interpretación Vocal Pop Masculino.

El video musical fue filmado en junio de 1986 por los directores Peter Kagan y Greif Paula. El mismo dúo disparó un video casi idéntica a Duran Duran "Notorious" en noviembre de ese año, por coincidencia, los dos videos fueron nominados para varios premios en los 1987 MTV Video Music Awards. Ninguno de los dos ganaron.